Comienzan los encuentros – modalidad taller de escritura

Arrancamos el 12 de Abril inscribite mandando un mail a aquitrac@gmail.com

«Muchas cosas en el mundo carecen de nombre;
y hay muchas cosas que, aún cuando poseen nombre,
nunca han sido descritas»

Susan Sontag, “Notas sobre lo Camp” (1964)

Este taller se propone como un espacio para dar rienda suelta a las ideas que estamos teniendo sobre el arte actual. Se trata de encuentros semanales alrededor de una mesa de trabajo en las que la dinámica es la de presentar temas nuevos, innovadores e incluso, incomprensibles, que atraviesan las producciones artísticas más actuales, proponer el debate y seguir consignas de escritura.

Taller de reflexión y escritura en arte contemporáneo

cupo limitado

en D A C I L

duración: 2 meses – jueves de 19 a 21:00hs

TRAC / piensa

Queremos dar a conocer nuestras ideas sobre arte contemporáneo.

Tenemos muhco para decir, para mostrar, para hacer ver.

Comprendemos la complejidad del mundo del arte hoy ,y nos gusta que así sea, por eso, vamos a ser parte de ese universo con nuestras ideas.

Te invitamos a leer ejemplos de las dinámicas que practicaremos en el Taller de Reflexión en Arte Contemporáneo/TRAC, haciendo click sobre las siguientes palabras

reseña                bitácora                       critica                       artículo                                          

                                               ensayo

            otra reseña                más bitácoras                                                    una crítica

Convocatoria 2012 TRAC

Comienza el jueves 12 de Abril la nueva edicion de TRAC

jueves de 19 a 21 hrs
duracion 2 meses
mas consultas a aquitrac@gmail.com

CONVOCATORIA ABIERTA SEXTA EDICION DE TRAC

ABRIMOS CONVOCATORIA – modalidad nueva

Quedan todos ustedes cordialmente invitados a la próxima y sexta edición de TRAC / taller de reflexion en arte contemporáneo

Arrancamos la temporada 2012 de este Taller de Reflexión en Arte Contemporáneo. Te invitamos a formar parte.La propuesta para esta sexta edición es concentrarnos en la producción de textos críticos, convertirnos en un taller de escritura.

«Muchas cosas en el mundo carecen de nombre;

y hay muchas cosas que, aún cuando poseen nombre,
nunca han sido descritas»

Susan Sontag, “Notas sobre lo Camp” (1964)

Este taller se propone como un espacio para dar rienda suelta a las ideas que estamos teniendo sobre el arte actual. Se trata de encuentros semanales alrededor de una mesa de trabajo en las que la dinámica es la de presentar temas nuevos, innovadores e incluso, incomprensibles, que atraviesan las producciones artísticas más actuales, proponer el debate y seguir consignas de escritura.

Está destinado a quienes se quieran desarrollar como críticos, curadores, reseñistas de expos y perfiles afines vinculados con la observación y la escritura. También es un espacio para curiosos y amantes del arte que, frente a obras contemporáneas, no les alcanza con preguntarse ¿esto es arte?, sino que aspiran a lograr una o varias respuestas.

Desde el taller vamos a promover de manera sostenida la escritura de distintos tipos de textos estimulados por obras, ideas o situaciones del arte contemporáneo.

A partir del jueves 5  de abril, 18:30hs.

en Plaza Italia (escribinos a aquitrac@gmail.com, para + info)

el valor del taller es de $300 por mes
se sugiere un mínimo compromiso de dos meses

NO TE QUEDES CON DUDAS, escribime a aquitrac@gmail.com

Los invito a leer las producciones de los talleristas del malba (2011) en el universo paralelo que corre en OBSERVATORIO. Allí estuve colgando lo que vimos en los últimos encuentros (recursos para talleristas, se llama) y los textos que me han ido entregando (observaciones, es su título)

hasta pronto!!!
Marian

todas las imágenes son parte de la última serie de obras de John Houck

http://www.johnhouck.com/

Coordenadas aproximadas para algunas producciones actuales

Hola, a todos!

Estuvo increíble el último encuentro del viernes 4.11, gracias! Superamos todas mis expectativas en cuanto a lo que las coordenadas de “estrategia principal” y “microrrelato” tenían para darnos.

Rosa Chancho

El viernes anterior habíamos cerrado un breve ciclo, cumpliendo con nuestro cuarto encuentro (28.10).  Se repite, taller tras taller, la sensación de que, llegado este momento, estamos preparados para ajustar todavía más las cuerdas de la reflexión. Durante estas semanas que nos quedan, vamos a volver sobre algunos conceptos que dieron puntapié al debate (heterotopía y antagonismo). Actualizados, le iremos sumando otros criterios que vamos a intentar destilar entre todos. Datos que sean funcionales a nuestra crítica: coordenadas X e Y de un sistema de referencias de la contemporaneidad. 

Le pusimos imágenes a las ideas, por eso trabajamos sobre una colección de artistas argentinos. La selección es una parte de lo realizado por Inés Katzenstein para la publicación trianual de Phaidon, Creamier (10 curadores, eligen 10 artistas y explican brevemente su poética). Les acerqué una traducción mía libre del texto de I.K. para complementar el research visual.

Alejandro Cesarco

Les propuse que analicemos las obras de Rosa Chancho, Alejandro Cesarco, Matias Duville, Eduardo Navarro y Leopoldo Estol a partir de las coordenadas dadas, las cuales a falta de una explicación más articulada, es acompañada por una serie de palabras-ideas, marcas fuertes de un brainstorming improvisado:

X - estrategia principal } recurso, medio, comunicación, visualidad, verbo

Y - microrrelato } identidad, intimidad, herencia, historia del arte, pertenencia, local/global

[ATENCION: cada cual recibió un par de artistas distinto para analizar  ]

1) Aquí el texto para quienes quieran leerlo.
2) Las imágenes, selección de Creamier (para ver online - las páginas con X es un error, ahí va el texto).
3) Sobre Creamier
4) Rosa Chancho
5) Alejandro Cesarco
6) Matias Duville
7) Eduardo Navarro
8) Leopoldo Estol

Matias Duville

¿Qué quise hacer con cada una de las coordenadas?

Intenté discriminar dos, entre miles, de criterios posibles para empezar a pensar la producción de un artista. Al lograr criterios unificados, la idea era ver que dos artistas pueden compartir entre sí una de estas coordenadas y diferir en la otra (o cualquier otra serie de combinaciones posibles).

¿Qué nos indican cada una de estas coordenadas?

x – ESTRATEGIA PRINCIPAL/ nos hablaba de medios de producción muy diversos, explotados, inmateriales, cotidianos y, a esta altura, ya no-disciplinares (con esto quiero decir que casi nadie habló de estas obras en términos de “escultura”, “pintura”, “dibujo” o cualquier otra disciplina clásica. La única disciplina más o menos convencional -de los últimos tiempos- que se escuchó nombrar fue el de “instalación”).

y – MICRORRELATOS / pretendía señalar las historias que hay detrás de las obras, las cuales pueden enlazar lo particular con lo social y al mismo tiempo con lo propio de cada uno de nosotros-no-artistas. Habría, entonces, un microhistoria contada en cada obra, una sensibilidad muy particular puesta en juego. A nosotros, como espectadores, nos toca sentirnos identificados, o por lo menos apelados, por este despliegue de pequeños relatos, más o menos afines a nuestra sensibilidad y poética para la vida. También, nos puede pasar que no nos pase nada, y ahí es cuando una obra (con todo lo que ésta trae) se vuelve insignificante para nosotros. Sea cómo sea, son los microrrelatos o las propuestas detrás de las obras las que se ponen en juego cuando las interpelamos, las interpretamos y las compartimos. Son poéticas “de un presente distinto” (de alguna manera, los microrrelatos son también proposiciones de cómo debería ser el mundo, ergo, son microutopías de este mundo).

Eduardo Navarro

Microrrelatos fue la coordenada que más costó para identificar, porque sucedió en muchos casos que me decían estrategias en lugar de microrrelatos.

Por ejemplo: cuando aparecía el viernes pasado la idea de “arte trash” en microrrelatos, en realidad eso debería ser una estrategia, ya que habla de la manera en que se construyen ciertas obras “apelando a la reutilización de elementos y la transparencia de los medios [...] a obras hechas de partes sueltas, acoplamiento de imágenes y [...] una franca pérdida de nobleza”. Lo dicho anteriormente, describe la estrategia trash (según Inés Katzenstein en Poéticas Contemporáneas, FNA). Entonces, habría que hacer una pequeña interpretación de qué quiere decir esta estrategia en términos de microutopía. Arriesgo que quiere decir que ciertos artistas se sienten parte de un nuevo eslabón en la cadena del consumo, más allá de la lógica de la adquisición constante, del tirar lo que todavía puede ser utilizable sólo porque no es de “última generación”. En pocas palabras, habla de una ideología nueva que está convencida de que lo que unos consideran sin valor, otros sabrán explotar porque entienden que alojan una magia especial. Y quizás, detrás de todo esto, mutatis mutandi, está la convicción por una autodeterminación que llegue hasta el consumo y que vale la pena darle otras oportunidades a los objetos, a las ideas, a las formas de vida porque no hay una sola manera de vivir.

Les armé un resumen de lo que se fue reflexionando y proponiendo el viernes pasado en torno a esta selección de selección. Todavía está en proceso (no lo juzguen muy dúramente), me gustaría que lo impriman y jueguen a unir con flechas. Sólo eso: un juego a ver qué pasa…

Creo que todavía se podrían achicar mucho más los ítems de cada coordenada, porque hay muchas similitudes entre algunos. Necesitamos la precisión de un poeta orfebre de las palabras y sus sentidos para lograr un lista bien ajustada y precisa. Un poeta-semiólogo por aquí, por favor!!!!

Leopoldo Estol

CORRESPONDENCIAS

El viernes pasado trabajamos con ejercicio nuevo que titulamos Correspondencias y que viene a sumarse a los ya clásicos inputs del taller. Con esta actividad, pretendía estimular en partes iguales la relación -el acercamiento- entre los talleristas y la necesidad de salir a ver muestras; la voluntad de compartir con otros lo vivido gracias al arte  y la búsqueda de nuevas e impensadas preguntas.

En wikipedia dice que el término Correspondencia puede hacer referencia a:

• Carta, medio de comunicación escrito que un emisor (remitente) envía a su receptor.
• Correspondencia matemática, relación binaria entre dos Conjuntos

"Pictures" - textos apropiados de las descripciones de los críticos de arte de los trabajos de otros artistas y del propio Cesarco. El acto de comprender una imagen, inevitable con su traducción en lenguaje, se invierte.

De alguna manera, ambos sentidos son aprovechados con este ejercicio, porque aprovechamos la plataforma del mail para sostener la comunicación entre los talleristas (“carta” aggiornada) y al mismo tiempo, nos acercamos al sentido matemático del término ya que al cruzar una mirada con la otra, estamos entablando una relación entre conjuntos… aunque siempre es mucho más que eso.

Correspondencias no busca que estemos de acuerdo con el otro, busca que la sugerencia de uno, sirva de disparador para otros. Correspondencias es mucho más que una relación binaria, donde la lógica del 0-1 nos encorsetaría. Es una relación lanzada al mundo, esperando confrontarse con él para ver qué pasa. Es una apertura a la espera de lo que tenga que pasar.

"Flowers" - un ramo de flores fue enviado a un grupo de personas seleccionado. Un acto/un funcionamiento para un público de uno-a-uno; política micro-emparentada. Una manera de hacer alguien feliz.

“Correspondencias” funciona así:

(1) En una hoja cada tallerista escribe su nombre, su mail, la última muestra que fue a ver y por qué le gustó (o no le gustó, según el aporte de Luis)

(2) La hoja se la pasan al talleristas de al lado y éste tiene que ir a ver la muestra y mandarle por mail: ¿qué fue lo que te sorprendió? y ¿qué pregunta le haría a la obra?.

(3) Lo compartimos entre todos durante el taller.

Las imágenes que ilustran esta entrada son obras (Pictures y Flowers) de Alejandro Cesarco, obtendias de su sitio web. 

acompañar es mucho más divertido que elevarse

Sobre la crítica y su necesidad de “hacerse contemporánea”

Hace tiempo que vengo pensando en que la crítica tiene ciertos achaques típicos de la edad. Está un poco anticuada, la pobre, pero sobre todo está aferrada a viejas creencias. Creo que tiene miedo de abrir los ojos ante el nuevo, plural e inmaterial escenario del arte. A veces, siento que se da cuenta de su condición de extemporánea y hace todo lo posible por parecer más joven de lo que es… aunque para cambiar, para rejuvenecer, es mucho más que maquillaje lo que debería empezar a usar.

Diego Melero. Ruinas de la belleza. De Platón a Rastzinger, 2007 Documenta 12, Kassel. Alemania

La crítica tradicional pide una necesario distancia entre el objeto analizado y el sujeto analizante. Una vez asegurada esta distancia, exigirá que nos remitamos a criterios de orden universal, compartibles entre una comunidad de acuerdo. Habiendo recogido estas condiciones, el que escribe una reseña crítica, o un ensayo, o un prólogo para una exposición, debe también sostener una prosa “transparente”. La claridad del mensaje antes que cualquier otra poética. Y cuando lo opaco del lenguaje llega antes y la comprensión de lo leído se vuelve un acto de exégesis poética, escuchamos el difundido eufemismo de que el escrito es interesante, pero “críptico”. Todo factor que atente sobre un supuesto de autonomía del discurso crítico, aparece necesariamente como factor que enturbia, que ensucia o tergiversa en términos de predilecciones e intereses, lo propuesto por el crítico. El buen crítico debería, entonces, poner en orden, organizar, discriminar y regurgitar con claridad lo que está analizando para acercar a sus lectores una mirada iluminada y llena de verdad. Porque parece que la verdad sólo puede emerger de lo distante, lo universal, lo transparente y lo ordenado. Porque parece que “verdad” sólo es posible a caballo de “autonomía”. ¿es así todavía hoy? ¿por qué la crítica clásica le tiene terror a los deícticos? ¿cuál es el trauma vincular de la crítica que todavía nos demanda un discurso desafectivizado? ¿cómo podemos seguir hablando de un discurso autónomo cuando en la práctica artística abundan las evidencias de porosidad entre la pieza artística y su contexto? ¿por qué me debería importar la verdad, cuando lo que estoy haciendo al redactar una crítica es sugerir una interpretación, entre miles otras, un acercamiento, una posible triangulación entre las de ideas/emociones, la obra y yo/otros?

Martín Molinaro. Proyecto Akua, 2007, performance Santa Elena de Uairén, Venezuela

A nadie le resulta novedoso el hecho de que hoy ya no nos alcanzan las categorías disciplinares para describir una obra. Muchos artistas ya no pueden ser presentados como “pintores” o “escultores” porque la propia práctica y materialidad de lo que hacen escapa a cualquier definición estricta de estos términos. Y esto sucede sin una sensación de antagonía o sin un repudio en el seno del campo artístico. A nadie le asombra que un artista pintara ayer, instale piezas en la vía pública hoy y se meta a desarrollar un software relacional mañana. Si esto no nos sorprende, ¿cómo es que le seguimos pidiendo “pureza” al discurso crítico? Siempre me sonó a neurosis hipercontroladora esa idea de pureza solicitada -exigida, tal vez sería mejor decir- por tipos como un Clement Greenberg intranquilo al no poder poner etiquetas (y las etiquetas ganaron el juego de la hegemonía y hoy estamos trabajando para corroerlas, derribarlas, para dejar de necesitarlas).

Gabriel Baggio. Picante de Pollo (Serie Procesos del aprendizaje), 2008 instalación y performance, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

 ¿será que mi discurso se vuelve menos efectivo cuando lo mezclo con mis emociones, con mis afectos, con algunos giros poéticos? ¿es menos efectivo o es más arriesgado, porque puede sugerir asociaciones impensadas por mí? ¿si algo como la estética relacional es celebrada en todo el mundo (sobre todo el de la crítica) porque no podemos empezar a escribir una crítica que también sea relacional, que acompañe orgánicamente este derrotero de libertad, mezcla y entrecruzamientos?

Y ni hablar del pastiche, los plagios y las asociaciones, recursos que aparece con mucha frecuencia en las obras actuales, pero tan repudiado cuando se trata de usarse en la letra que piensa. ¿podemos, acaso, pensar algo sin estar retomando ideas ya existentes? ¿existe la creación desde la nada misma? La creatividad en conjunto está a la orden del día, mis ideas, las comparto para que crezcan en manos de otros. Las redes sociales y los blogs, entre otras cosas, nos dan esa oportunidad. El material al que pueden volver una y otras vez los artistas es la materia viva de lo ya hecho culturalmente. ¿y los críticos, tenemos que seguir “inspirándonos” en ideas que reclamen a una sola madre? Parece que la lucha por ciertos derechos civiles, esos derechos que vienen desarmando de a poco el modelo de familia tradicional, avanzó más de lo que pudimos avanzar los que pensamos ideas y las transmitimos por escrito: todavía nos reclaman que nuestras ideas sean hijas de una familia tipo (o sea, sean nuestras y sólo nuestras). Yo sigo prefierendo compartir maternidad, tal vez canalizar lo que esta circulando, imprimirle mi sesgo, revelar mis elecciones y preferencias. No voy a escribir peor (ni mejor) porque sea muy amiga y tenga un afecto especial por el artista en cuestión. No habrá menos verdad (ni mayor) en lo que tenga para decir. Tal vez, sea más genuino, más honesto. Y eso creo que cuenta.

Zoe Di Rienzo. Cuentos y fantasía, 2005 Tunuyán, Provincia de Mendoza

Subidos a este debate es que pretendemos seguir reflexionando y escribiendo en el Taller de Reflexión en Arte Contemporáneo. Con las bitácoras, buscamos hacer evidente toda marca de autoría, toda huella de enunciación afectiva. Escribir desde un yo presente, que siente, que piensa, que llega tarde o se sorprende por el tamaño de la galería, un yo que dice lo que le pasa sin pretender ser universal y no por eso, relegar lo que se tiene para decir. Metánse en las nuevas bitácoras subidas a este blog: Maite, Silvina y Karina nos brindan una mirada interpretativa y una voz presente que nos va llevando a través de la experiencia de visitar una exposición.

todas las imágenes fueron tomadas de obras mencionadas y analizadas en el dossier sobre “Arte de Acción” de Rodrigo Alonso recientemente publicado en centro virtual de arte argentino

Celebremos que podemos ir más allá del duelo y la incertidumbre

El viernes pasado tuvimos nuestro segundo encuentro de ésta, la quinta, edición de TRAC. Intentaré hacer una crónica viva de lo que hemos estado haciendo, valorando, preguntándonos y sugiriendo en relación a los temas que se plantearon.

Hubo tanto, pero tanto, para discutir en el primer encuentro que no llegamos a realizar todas las actividades que tenía planeadas. Presentamos el taller, los temas a tratar y los objetivos para esta edición, para luego, con el mismo espíritu, presentarnos los talleristas entre nosotros. El grupo se reveló como uno de los más heterogéneos que hemos tenido hasta ahora.

 ¿y cuáles son esos temas y objetivos para esta edición?

 En principio, esta es una breve lista de consignas que irán guiando nuestro transitar en el taller:

COMPRENDER ACTIVAMENTE

EXPERIENCIA PERSONAL

CURIOSIDAD COMO HERRAMIENTA

DEJAR APARECER

SUSPENDER CATEGORIAS

salir de las preguntas típicas

Cuando nos referimos a “dejar aparecer” lo hacemos pensando en toda la riqueza que el deambular y la sorpresa pueden aportar, incluso, en la labor intelectual. Estamos transitando esta época, la misma época que queremos empezar a pensar para tratar de comprender. Acercarnos a ella con preconceptos o hipótesis como certezas nos quitaría la increíble oportunidad de tejer nuestra propia red de indicios y conclusiones. Puede sonar a utopía la idea de que vamos a poder comprender lo que nos está pasando hoy mismo como productores y consumidores de cultura. Y sin emabargo, en lo intuitivo, en la elección de breves señales, de pasajes con sentido, de descripciones densas de nuestra percepeción, vale decir, en el análisis de este constructo de indicadores, vamos a poder a lo sumo compartir una sensación –siempre evanescente- de lo que pensamos nos está sucediendo culturalmente.

Quiero traer dos extractos que funcionaron de faro para este primer encuentro del taller, en el que planteamos una suerte de statement a seguir. Un cuasi-manifiesto TRAC.

Andrea Giunta, en relación  a la conceptualización del término biopolítica en arte:

“La urgencia por pensar el propio tiempo es recurrente. Podemos comenzar con la descripción de los hechos que dan cuenta del cambio, focalizando en la emergencia de lo nuveo, procurando obtener todo nuestro conocimiento de ese relato, sin mensurar, sin valorar, buscando aprender los datos que señalan un paisaje distinto”.

“Arte y biopolítica”, Poéticas Contemporáneas…, F.N.A., 2010

y

Valeria González, al respecto de los nuevos procesos que asumen los artistas en la actualidad:

“[…] una aparición es lo opuesto a un descubrimiento. Un descubrimiento es la consolidación material de un saber y un poder preexistentes. Una aparición bordea lo irrepresentable o, más bien, nos convoca a una experiencia de suspensión de categorías y perspectivas conocidas”

“Arte contemporáneo e historia argentina”, Poéticas Contemporáneas…, F.N.A. 2010

Nos estuvimos metiendo, y seguiremos mezclándonos, con los siguientes conceptos: heterotopía y antagonismo.

Entiendo, que el primer término nos puede servir para pensar el campo del material disponible (que está a la mano) y dispuesto (que produce) por el arte contemporáneo. Lo visual, performático, relacional. Nos habla de la diversidad. Y el segundo, antagonismo, puede funcionar para reflexionar sobre el ejercicio del debate, el lugar que ocuparán nuestros criterios y en última instacia, la construcción de nuestros juicios de valores. Una manera actual de reemplazar al canon.

Siendo ésta una reflexión work inprogress, se intuye que ambos conceptos son vehículos de categorías y criterios nuevos, funcionales a un campo del arte en sensible proceso de cambios.

Alguna de las características de esta quinta edición del taller

•  Taller en profundidad. Pocos temas, pero discutidos a fondo
• —  Obras del período 1989 -  2011 (25 años de antigüedad aprox.)
• —  Obras de artistas argentinos o producidas en y para el contexto local

En última instancia, pretendemos que el objetivo principal del taller sea que podamos armar un recorte propio y justificado de obras y artistas que representan la contemporaneidad.

 Poder construir nuestro topos del arte contemporáneo

De un encuentro al otro, les sugerí que leamos una serie de textos para empezar a tener con qué debatir y cruzar lo que vemos con lo que pensamos. Cada texto, tenía una pregunta a responder, con el objetivo menos de encontrar una respuesta correcta que de abrir la discusión sin punto de llegada pre-establecido.

Fueron las siguientes lecturas (enlace a página con los textos y las preguntas)

La yapa a estos textos fue un ensayo de Graciela Esperanza del que les leí durante el taller en fragmentos, sobre el enorme gesto de humildad intelectual de Leo Steinberg frente a la novísima obra de Jasper Johns (y que Iglesias menciona en su ensayo). Un ejemplo a seguir…

“Lo que he dicho, ¿surge de las obras o es una sobreinterpretación? ¿Acuerda con las intenciones del artista? ¿Refleja la experiencia de otros y por lo tanto garantiza que mis impresiones tienen fundamento? No lo sé. Entiendo que estas pinturas no necesariamente parecen obras de arte, cosa que, se sabe, ha resuelto en el pasado problemas mucho más difíciles que éste. Ni siquiera sé si son arte en realidad, si son extraordinarias, buenas o si se cotizarán en el mercado. Al mismo tiempo, toda la experiencia que he adquirido en relación con la pintura, sea cual fuere, puede resultar un obstáculo o una ayuda y, por lo tanto, estimar el valor estético de un cajón adosado a una tela, por ejemplo, es todo un desafío para mí. Pero nada de lo que he visto en mi vida puede enseñarme cómo hacerlo. Estoy solo en esto, y depende exclusivamente de mí poder valorar lo que veo sin recurrir a las convenciones al uso. El valor que le otorgue a estas pinturas pone a prueba mi coraje personal. Queda en mis manos descubrir si estoy preparado para soportar el choque con una experiencia nueva. ¿El exceso de análisis es una coartada? ¿Me dejo llevar por lo que he oído? Los sentidos que veo en esta obra e intento formular, ¿son elaboraciones para demostrar algo sobre mí o son de por sí una experiencia auténtica? Preguntas que no tienen fin, para las que no hay respuestas disponibles en ninguna parte. Es la clase de autoanálisis al que puede llevarnos una imagen novedosa, y por eso, ante todo, la obra me inspira gratitud. Me ha sumido en un estado de incertidumbre angustiosa que alcanza al cuadro, a la pintura en general y a mí mismo, pero sospecho que está bien que sea así. De hecho, desconfío de quienes, enfrentados al arte nuevo, suelen saber qué es una gran obra de arte y qué sobrevivirá al paso del tiempo.” [Steimberg, 1972]

Esta a Steimberg nos inspiró muchísimo en su doble calidad de humilde y atrevida. Humilde para reconocer sus límites como crítico de la contemporaneidad que le tocó analizar, por las preguntas que se hace a sí mismo.  Y atrevido por forzarse a ir más allá de la angustia que puede provocar la incertidumbre de ya no contar con más certezas disciplinares y filosóficas.

Hablando sobre la enorme variedad de opciones que el arte nos ofrece hoy y sobre las elecciones que uno tiene que tomar, dado que somos finitos y únicos, frente a una oferta que nos supera, Silvina Pirraglia (tallerista vitalicia) trajo la idea del duelo. Duelo y elección sucederían en simultáneo, sugiere Sil, porque decidimos, perdemos, concluye.
Me dejó pensando. La idea del duelo me parece seminal, muy potente, llena de promesas para seguir adelante.
Y como jugando al ping-pong, devuelvo esta pelota con un giro un tanto diferente (aunque hermano del primero). ¿qué pasa con el duelo que tenemos que hacer frente a esta incertidumbre de certezas, como le pasó a Leo Steimberg al conocer obra de Jasper Johns?

Duelo por elegir. Pero también duelo por no tener certezas.

Y lo curioso es que frente a la falta de certezas que vienen “de arriba”, de la crítica, del pensamiento intelectua hegemónico, la propuesta contemporánea (la que nos interesa despertar aquí en TRAC) es la de certezas “DIY” (do it yourself – hacelo vos mismo)… vale decir, que cada uno de nosotros tenga su caja de herramientas de pequeños criterios y breves certezas, o por lo menos, afinidades electivas justificadas. Y eso… ¿nos da miedo? ¿nos deja desnudos? ¿nos genera duelo? No deberíamos, acaso, confiar más en nosotros que en lo que nos dicen otros.

Deberíamos releer una y mil veces la crítica de Steimberg, cruda y real, una enseñanza zen contra el ego que se cree sabio y que no se da cuenta que al poner punto final a sus juicios de valor, se está suicidando. Porque… iba a decir que lo único que cambia es lo que muere, y me doy cuenta que hasta lo que muere, cambia, se pudre, se convierte en otra cosa. Entonces, lo único que no cambia es lo que ya está quieto… de entrada.

todas las imágenes que ilustran esta entrada fueron obtenidas de poxipics’ en flickr.

Finalmente, hay beneficios para esta aparente ligereza del ser?*

La categoría de “arte contemporáneo” no es nueva. Lo que es nuevo es el sentido de que, en su propia heterogeneidad, la práctica más actual parece flotar libre de toda determinación histórica, definición conceptual, y juicio crítico. Paradigmas tales como “neo-vanguardia” y “posmodernismo”, que desaparece una vez que han orientado al arte y la teoría, se han topado con la arena como estancamiento y, posiblemente, la mayor parte de los modelos de alcance explicativos o fuerzas intelectuales han aumentado en su lugar.

*Hal Foster for the Editors, “Questionnaire on ‘The Contemporary,’” October 130 (Fall 2009): 3.

En nuestro último encuentro de OBSERVATORIO @Amigos del Malba, empezamos analizando los tres momentos del Trash como paradigma estético en el arte de una Buenos Aires transicional, con el año 2000 como el pivote más explícito del cambio, recuperando el análisis de los años 90 y aproximando un estado de situación de la década que inaugura el siglo del futuro. El análisis de esta estética del deterioro y la desnudez ad-hoc se nos agotó pronto como tema y nos vimos navegando unas aguas menos claras que las anteriores, pero más ricas en términos de debate. Me refiero a la discusión sobre el paso de una era de antagonismos a una de pluralismo y cómo esto habría impactado recíprocamente en la sociedad y la cultura.

Habíamos trabajado sobre los ensayos de Inés Katzenstein y Claudio Iglesias; la primera trataba de describir los últimos veinte años de arte argentino hegemónico o “consagrado” a partir de la noción de lo TRASH. Y digo que es el arte hegemónico el que describe IK porque sin dudas el Centro Cultural Rojas, los artistas político-militantes (GAC, TPS, Etc.), el grupo desprendido del Proyecto Venus (y toda iniciativa que orbite en torno a Roberto Jacoby), incluso Belleza y Felicidad en su regodeo de lo bajo, lo abyecto, lo “mal hecho intencionalmente”, son hoy el stablishment de nuestra ongoing historia del arte. Pudieron haber surgido como contraculturas, como formaciones emergentes, pero muy pronto se establecieron como parte de una tradición que hoy es recogida y leída en libros institucionales -como este que publica el Fondo Nacional de las Artes. Y es gracias a que ocupan hoy este lugar que podemos discutirlos, no hay movimiento contra-cultural que resista un debate serio de la crítica y la academia sin volverse parte de esas mismas formaciones. Pero además, lo Trash como categoría de análisis nos dió mucho para reflexionar. En un intento por hacerlo funcional a nuestro debate, arriesgamos una definición: Trash es toda obra hecha de partes sueltas, de acoplar situaciones visuales con resultados donde la imagen resultante es sucia, intoxicada, en una franca pérdida de nobleza que se vuelve bandera enfática y propositiva.

En este sentido, me gustaría señalar la ausencia de mención a la obra de Liliana Maresca. Ni una línea sobre ella. Haciendo una genealogía del uso de los trash en arte, ella, Liliana, sería la gran madre de todos los usos que vinieron después. Ensambladora alquímica de la basura, juntadora de gentes y ganas, transubstanciadora de su propio cuerpo en deterioro. ¿hay algo más trash que exponer el propio cuerpo semi-desnudo en una producción fotográfica que no se decide a ser publicidad o arte? ¿hay algo más intoxicado y sucio que la obra “Maresca se entrega todo destino” publicado en El Libertino en 1991? con bordes difusos, proponiendo un uso efectivo y placentero del cuerpo, pero sabiendo que éste se encamina a un deterioro imposible de frenar…. eso es un trash del cuerpo, un trash de lo más próximo y de lo último que podemos sacarnos de encima, pagando un precio altísimo.

Como les decía antes, al trash le siguió el debate por entender nuestra época que tan bien delinea Claudio Iglesias en su ensayo “Hacerte contemporáneo”. Rescatamos sobre todo la descripción de la época que hace en términos de una pluralidad de flechas (o líneas de fuerza) en simultáneo, de la expansión del arte contemporáneo “al margen de toda determinación histórica, definición conceptual y evaluación crítica” (Hal Foster), de esto que muchos pensadores han llamado CRISIS. Y a mi me gusta pensar, como los chinos, que toda crisis es una oportunidad. Y si estamos de acuerdo en que los valores de antes están en crisis, entonces usemos nuestra energía intelectual para ver qué oportunidades se nos presentan, porque al expandir su influencia hasta límites insospechados, el arte contemporáneo se volvió un prolífico no-lugar (donde “no” viene menos a decirnos que no existe a recordarnos que hoy es plural, expandido y dueño de una hospitalidad única en donde todos podemos encontrar un rinconcito de identificación).

Repasamos lo que fue la génesis de un debate que por remanido y maniqueo ya casi me da fiaca repetirlo: el debate Rosa Light Vs. Rosa Luxemburgo. Repusimos el contexto de emergencia hundiéndonos en un pasado que parecería remoto pero que fue una fértil pachamama de este debate: los años 60s, la posterior década del aislamiento y el silencio, los ochentas destapados, hedonistas, interdisciplinarios, hiper sexuales. Les hice notar que si el Rojas se levantó, entre otras cosas, como un espacio para ejercer la autodeterminación sexual y de “estilo de vida” (Jacoby dirá que el Rojas, al igual que Belleza, hubieron favorecido la aparación de miradas y actitudes antes que una “escuela” pictórica) fue porque antes de esos años había muy pocos espacios reales y simbólicos donde las minorías sexuales pudieran hacerse presente en estado de militancia latente, reclamando por un espacio en el cuerpo social. ¿qué expectativas se estaban depositando en esta generación, qué se esperaba de ellos? preguntarnos sobre esto nos va ayudar a iluminar el reclamo que se les hizo (y algunos todavía les hacen). Un reclamo que huele a desilusión, como si los “Rosa Light” nos hubieran fallado en algo. ¿cómo es que no ven que lo político puede tomar otras formas, otras retóricas, e incluso aparecer no en forma de panfleto macro político, sino en un necesario comentario doméstico de micro política urgente?

Un momento muy interesante del debate se dio cuando empezamos a pensar nuestra historia en tiempo presente a partir de la historia que nos precedía. Se dice que al antagonismo de ayer lo reemplaza un pluralismo de hoy (dejo esta idea suspendida, con fines a una futura complejización). Se dice esto, se escucha, se repite. Entre todos recordamos las disputas de los años 60s, las grandes peleas, el énfasis por la confrontación y la consecuente falta de un espacio de diálogo. El antagonismo de antes pretendía resolverse por la anulación total de una de las partes. La intolerancia estaba a la orden del día. ¿y hoy? ¿qué ganamos y qué perdimos cuando ya no tenemos un lugar de referencia, una frontera de ideas estéticas por la que luchar? “La diversidad del arte contemporáneo sólo fue posible como sucedáneo del antagonismo”. ¿sucedáneo como “imitación con propiedades similares pero de menor calidad”? ¿que no existan categorías que provoquen antagonismos, es un indicador de pluralismo o una de falta de instancias de debate y reflexión? ¿debatir y reflexión implica necesariamente, como objetivo, el abordaje a un terreno de certezas, de descartes y de taxonomías? ¿acaso no se puede discutir enarbolando la bandera del gusto personal, de los afectos estéticos, de las pequeñas y domésticas conquistas?

Palabras más, palabras menos, así cerramos nuestro último encuentro de OBSERVATORIO en Amigos del Malba. Gracias a todxs los talleristas por haber participado tan activamente y por sus más que interesantes aportes. Gracias por entusiasmarse.

Este viernes abrimos con un grupo nuevo de talleristas con quienes seguiremos en esta línea de debates…

En el blog específico de OBSERVATORIO les dejo a disposición algunos textos y links para continuar la lectura y la reflexión propia…

CONVOCATORIA > taller de reflexión y escritura en su versión 5.0 abre en octubre < preguntas: aquitrac@gmail.com

Quedan todos ustedes cordialmente invitados a la próxima y quinta edición de TRAC

Después de aterrizar en el Malba con la versión OBSERVATORIO, nos adaptamos al nuevo contexto  experimentado durante estos dos meses con otros perfiles de talleristas, con algunos temas nuevos y no tanto, como los que rodean al nuevo espectador y a la categoría de ambigüedad en arte;  con la renovación constante del entusiasmo porque en todos los sitios, sin importar los barrios o las instituciones, me encuentro con personas del otro lado que más temprano que tarde terminan demostrando una enorme pasión y franca curiosidad por el arte actual con sus siempre inquietos horizontes de posibilidades.

Los invito a leer las producciones de los talleristas del malba en el universo paralelo que corre en OBSERVATORIO. Allí estuve colgando lo que vimos en los últimos encuentros (recursos para talleristas, se llama) y los textos que me han ido entregando (observaciones, es su título)

Habiendo asimilado y aprendido de la experiencia en Malba, el Taller de Reflexión en Arte Contemporáneo / TRAC vuelve a su formato anterior: íntimo, casi hogareño; sencillo pero riguroso; flexible y acertado.

A partir del viernes 7 de octubre, 19hs.

en Plaza Italia (escribinos a aquitrac@gmail.com, para + info)

el valor del taller es de $300 por mes
se sugiere un mínimo compromiso de dos meses

Trabajaremos sobre dos conceptos que ya no pueden ser eludidos en nuestra reflexión sobre el arte contemporáneo, a saber: la noción de heterotopías (de M. Foucault a G. Vattimo) y la de Antagonismo (de A. Gramsci a C. Bishop).
También, insistiré muchísimo en la puesta al día de la agenda de muestras. No pasará una semana sin visitar una exposición, para lo cual mandaré divertidas y profundas tareaspara el hogar (por ejemplos, las ya conocidísimas bitácoras, entre otras).

NO TE QUEDES CON DUDAS, escribime a aquitrac@gmail.com

hasta pronto!!!
Marian

todas las imágenes son parte de la última serie de obras de Matt Lipps

http://www.mattlipps.com/